A l’origine, le kitsch désigne les objets et décors de mauvais goût, inutilement surchargés d’ornements, m’as-tu-vu, souvent chargés d’une valeur sentimentale, et produits en grande quantité. Le terme est donc à la fois péjoratif et affectif et suppose le regard condescendant et critique d’une classe cultivée sur une classe populaire.

Après que, à l’époque du Pop Art, la société de consommation ait largement popularisé les produits culturels bon marché dérivés du grand art, des artistes contemporains se sont emparés de l’esthétique kitsch en contribuant à la revaloriser. Jeff Koons aux USA, Takashi Murakami au Japon, et bien d’autres, ont «décomplexé» les amateurs d’art dans leur attirance pour cette forme d’expression sentimentale et infantile. Leur travail, sur-médiatisé et pensé pour être décliné en produits dérivés, ne permet pas toujours de déterminer où se trouve la frontière entre l’ironie et le réel attrait pour le mauvais goût.
Le kitsch a gagné le design, les arts du spectacle, la mode et même l’architecture.

Indice d’une époque sans âme? Art d’une société narcissique qui cherche la confirmation de l’image insouciante qu’elle veut donner d’elle-même? Art du bonheur, reposant, amusant, rafraîchissement mondain ? Ou expression pathétique de notre époque ? Nous nous poserons ces questions, tout en reconnaissant qu’il y a bien une part de kitsch en chacun de nous…

Sculptées dans l’ivoire de morse, dans l’os de baleine, dans la corne de cervidé ou dans la tendre pierre de stéatite, grise, noire ou verte, des centaines de figures humaines, animales ou chimériques représentent aussi bien la vie quotidienne que les mythes inuit.
Nées de la rencontre de l’esthétisme contemporain et du souvenir vivace des traditions sculpturales des Esquimaux Canadiens, mes recherches ont pour but de diffuser hors de ses frontières, une pensée plus que millénaire. L’art inuit, dans sa richesse et sa vigueur, avec ses oeuvres originales et son style caractéristique, est à explorer sur toutes les terres et sous toutes les formes traitées avec passion. Ouvrir, sans exclusive, avec sérénité et passion, entre les urgences d’une conception esthétique vivante et l’idéal du passé, un espace autre, un lieu décalé où l’on prend le temps de découvrir un mode de vie ancestrale conditionné par les terres du Grand Nord.

Au sein de Christie’s, maison de référence du marché de l’art et du luxe, la France occupe une place de première importance. Les résultats de Christie’s France sont à analyser de ce point de vue. 2023 est aussi l’année d’une implication majeure de notre bureau dans des ventes multi-sites telles Rothschild entre Paris et New York ou la collection Sam Josefowitz entre Paris et Londres. Paris aura joué un rôle majeur dans la vente d’oeuvres de premier plan qu’il s’agisse de l’Hippopotame Bar II de François-Xavier Lalanne à New York 7,6M$, d’un chef d’oeuvre de Sanyu à Hong Kong 187MHK$ ou de celui de Michael Sweerts à Londres 12,6M£. En obtenant des résultats parfois spectaculaires pour certains artistes, notamment avec Joan Miró, Peinture (femmes, lune, étoiles) de 20,8M€ et François-Xavier Lalanne, Rhinocréataire I 18,3M€, Christie’s France réalise les deux prix les plus élevés en France en 2023 et également trois des quatre les plus importants de l’année. La maison est un acteur clé de la diffusion du patrimoine et des artistes français à travers le monde.
Présent sur tout le territoire français, Christie’s valorise le patrimoine des régions de France à un niveau global.

La Biennale de Venise est toujours l’occasion de découvrir la vitalité de l’art contemporain à l’échelle mondiale et d’en mesurer l’évolution en lien avec notre actualité. La Biennale de 2024 répond bien à cette attente, en accueillant des centaines d’artistes non occidentaux et /ou issus de communautés autrefois marginalisées.
Pour ceux qui ont partagé ces découvertes avec moi au début juin et pour tous les autres qui auront la curiosité d’en profiter, j’aurai plaisir à en montrer les points forts et à expliciter les questionnements soulevés par ces très nombreux artistes.

ISOKON est à la fois le nom d’un immeuble achevé en 1934 et une marque de meubles en contreplaqué cintré, tous deux se rattachant au Mouvement Moderne. Cet immeuble se trouve à Hampstead, un quartier de Londres fréquenté par de nombreux artistes, peintres, sculpteurs comme Henry Moore, photographes, architectes.
Les commanditaires, Jack et Molly Pritchard, et l’architecte Wells Coates, ont fait auparavant le voyage au Bauhaus de Dessau. Quelques années après, fuyant les persécutions nazies, des architectes et designers du Bauhaus sont accueillis dans l’immeuble ISOKON ; un moment important dans la diffusion de la modernité outre-Manche. Cette conférence, se poursuit avec la vie surprenante des premiers locataires, intellectuels, écrivains, artistes, mais aussi espions.

New York et ses musées, naissance de l’identité américaine et du soft power ou «comment New-York vola l’idée d’art moderne»

Pour des générations d’artistes et de collectionneurs venus du monde entier, Paris a longtemps été le centre des arts. Comment, entre 1948 et 1950, ce centre s’est-il déplacé à New-York? De plus, comment les critères de l’art américain sont-ils devenus, pour plusieurs décennies, ceux du monde de l’art en général ?

Nous verrons les conditions économiques, politiques et idéologiques qui ont permis aux artistes et aux intellectuels américains de faire triompher «l’École de New York», que galeristes et grands musées ont contribué à répandre par delà les frontières. Dans ce parcours américain, nous parlerons donc de peinture, d’architecture, de société et de politique.

Thierry Thivisol, anthropologue, a vécu 17 années en Australie, travaillant essentiellement avec les coopératives artistiques Aborigènes reculées du centre rouge.

Venez vous immerger dans le monde coloré de l’Art Aborigène, une peinture aux origines millénaires et paradoxalement, résolument moderne. Transmise de générations en générations depuis plus de 50.000 ans, la tradition picturale Aborigène nous propose des œuvres d’une incroyable modernité.
Aujourd’hui acte de résistance identitaire, ces peintures chargées de sens expriment une spiritualité complexe que nous tenterons de décoder.

Chacun d’eux, l’un en France l’autre en Angleterre, incarne la sculpture moderne.
Comment? Qu’ont-ils en commun?
Après un bref passage dans l’atelier de Rodin, Brancusi , renonçant à la sensualité expressive, s’est employé à rechercher l’essence la plus pure d’une forme. Cette quête rompt avec de nombreux clichés attachés auparavant à la sculpture: le portrait n’est plus un buste, le socle est lui-même une sculpture interchangeable, chaque oeuvre est déclinée sous forme d’une série évolutive dont la photographie rend
compte de la mise en espace idéale.
Henry Moore nourrit sa démarche d’influences primitives, mais aussi des formes de roches, de pierres, d’os et de coquillages qu’il collectionnait. Oscillant entre figuration et abstraction, l’artiste accorde une place au vide et est attentif à l’insertion de ses sculptures dans le paysage.

L’humour n’est pas le comique ou plutôt n’est pas que le comique. Il se présente généralement sous l’aspect d’une attitude railleuse qui attire l’attention, avec détachement, sur des aspects pénibles, plaisants ou insolites de la réalité. Aussi, dans le sujet qui m’importe, l’humour au cinéma, les situations humoristiques sont beaucoup plus rares que les comiques qui sont très nombreuses et constituent un genre à part entière.
J’ai donc tenté de m’appuyer sur quelques extraits de films, certains contemporains et d’autres plus anciens dans l’histoire du cinéma, pour répertorier les mises en scène de différentes sortes d’humour et notamment leurs rapprochements avec l’ironie, l’absurde ou la dissonance de comportements. Ce sera aussi l’occasion de comparer l’humour à la française, à l’anglaise et à l’américaine.